IDILIO

Del 25 de mayo al 25 de julio

Martes a domingo de 10:00h a 14:00h

Martes a sábado de 16:00h a 19:00h

El término idilio, ha sido definido por la RAE, cómo una relación sentimental muy feliz. Otros diccionarios han agregado, que esta relación es vivida con mucha intensidad y es de corta duración.

La obra que aparece en el cartel de la exposición, es un grabado realizado en Venecia por Mariano Fortuny. Este reproduce una acuarela que él mismo pintó en 1868. Es una de las más destacadas acuarelas que alberga el Museo del Prado, y que sin embargo normalmente no puede ser admirada pues permanece guardada.

No nos extraña que en un cuadro como este, titulado idilio, aparezca una escena que contiene un instrumento y la música como elemento evocador.

En realidad en la pintura del siglo XIX se puede observar y percibir un verdadero idilio entre la música y obras propias de este periodo.

De manera que, como testimonio de esta relación, hemos seleccionado una muestra de algunos de los más destacado pintores de esta etapa, los cuales incluyen en sus cuadros diferentes instrumentos de la época y escenas vinculadas a esta temática.

“Sin arte, la crudeza de la realidad, haría que el mundo fuera insoportable”.

( Bernard Show ).

Nietzche, acotando aún más la forma de arte mencionó:

“Sin música, la vida sería un error “.

La exposición idilio, es una manifestación histórica y artística que subraya por su composición, este bello y necesario mensaje de Unión entre dos pilares del arte, la pintura y la música.

Es un recorrido además, que nos lleva a través de las obras de unos pintores, dando un paseo por el siglo XIX, el cual se complementa con la visita a tres piezas únicas de coleccionismo, tres pianos excepcionales, 4 instrumentos históricos y alguna sorpresa adicional.

También se detiene en algunas de las esculturas más codiciadas por todo el mundo, características del movimiento Art Decó.

En estas figuras, podemos observar el particular idilio que existe entre arte y música, pues todas reflejan de manera magistral escenas de danza y baile… ¡movimiento aún en estático!.

Don Antonio Pedrera Soler, padre de la colección, también mantuvo un verdadero idilio movido por la pasión que sentía por el arte. Así por años disfrutó de esta atracción, y fruto de ello hoy podemos deleitarnos de esta exposición.

Balthus sentenció:

“ El Arte consiste en celebrar, cantar y llevar a cabo la belleza.”

Le invitamos, a celebrar la belleza, a disfrutar de la estética y la maestría de alguno de los artistas más destacados del Siglo XIX. Le animamos a formar parte de este idilio visitando y conociendo nuestra exposición.

EL DESPERTAR DE LOS SENTIDOS

Todo parece tan sencillo. Sin esfuerzo ni complicaciones. Tan sencillo como abrir los ojos y mantenerlos así. Para la mayoría de nosotros, todos los días y a todas horas podemos ver, y eso que damos por sentado abre ante nosotros un mundo visual tan rico y variado que es imposible deﬁnirlo.
Podríamos pensar que desde el día que nacemos empezamos a ver tal como lo hacemos ahora. Pero nada más alejado de la realidad. De hecho nacemos siendo casi ciegos y solo cuando llegamos a los cuatro o cinco años desarrollamos todo el potencial de nuestra visión.
Puede parecer extraño pero nuestra misión se asemeja hasta cierto punto al habla.
Necesitamos de un aprendizaje y desarrollo para que, durante los primeros años de la vida, cuando nuestro cerebro muestra una gran plasticidad neuronal, desarrolle esta capacidad en su totalidad.
Paralelamente los bebés no oyen los sonidos de baja intensidad que se producen a su alrededor, pero sí oyen los sonidos altos y en respuesta a estos pueden sobresaltarse parpadear llorar o contener la respiración.
Podemos afirmar, pues en toda regla que, desde que nacemos hemos experimentado un despertar de los sentidos.

Con la exposición IDILIO pretendemos que cada persona que nos visite experimente en cierta medida esa sensación que tenga

“un despertar de los sentidos”.

Reflexione a todo lo que nos enfrenta un cuadro. Una obra de arte pintada hace más de 100 años es una fuente de información, pero también una fuente de emociones y de sentimientos.

Nos habla de un momento y de un contexto histórico. Nos muestra elementos de otra época, ya sean ropajes, vestidos o instrumentos musicales. Nos muestra la habilidad de otro ser humano con una pala y un pincel.

“En la vida todo perece, en el arte se hace eterno” escribió un filósofo de la antigüedad.

La pintura es más que un dibujo realizado con cierto nivel o conocimientos técnicos, es más que la demostración de la maestría de un artista.

Pretendemos que usted al ver cualquiera de las obras que están expuestas se detenga. Cierre los ojos por unos segundos, y al abrirlos observe sin prisa el lienzo o la escultura que tiene frente así. Si lo hace con pausa y con tranquilidad, si mira el cuadro con interés, incluso con respeto, el cuadro le hablará. Le contará cosas muy interesantes, le hablará de emociones, de sentimientos y tendrá en síntesis un despertar de sus sentidos.

John Udake, escritor estadounidense, autor de novelas y ensayos dijo:
” Lo que el arte ofrece es espacio y un retiro al espíritu.”

Olvídese del concepto tradicional, usted no ha venido a ver cuadros aquí.

Usted ha venido a imbuirse de un mundo sensorial y emotivo.

A través de sus ojos, su olfato, su oído e incluso en cierta medida su tacto, tiene que conseguir marcharse de la exposición habiendo aprendido algo, habiendo experimentado algo, habiendo sentido algo y habiendo descubierto algo al mirarse en el espejo de las obras de arte que se han seleccionado para esta exposición.

Leonardo Da Vinci decía que la pintura es poesía que se ve. Van Gogh dijo que las pinturas tienen vida propia. Y Picaso sentenció que el propósito del arte es lavar el polvo de la vida cotidiana de nuestras almas.

Poco mas que agregar. Solamente un consejo o un ruego … al visitar la exposición Idilio, relájese, pause y disfrute… solo así podrá experimentar un despertar de los sentidos.

LA MÚSICA Y LA PINTURA

MÚSICA Y PINTURA, UN MENSAJE DEL PASADO Y DEL PRESENTE

Si alguien le planteara la pregunta ¿qué tipo de música se escuchaba en el Siglo XIX?

Posiblemente esa pregunta le resultaría algo incomoda. Puede que rebuscara en su mente rápidamente algún nombre para justificar un mínimo nivel de cultura.

Lo cierto es que a muchos les costaría responder con cierta precisión.

Los movimientos del romanticismo e impresionismo sería una respuesta bastante exacta.

Por tanto, compositores como Chopin, List, Verdi o Chaikovsky se escucharían ya que representan el romanticismo en la música y dentro del impresionismo pues Albéniz, Falla, Ravel o Debussy serían de los más destacados.

Pero la realidad es que para el siglo XIX, miles y miles de personas no tenían acceso a ninguno de los instrumentos para los que compusieron los autores citados.

Miles y miles de personas morirían sin haber tenido la oportunidad de ver o escuchar un piano, un violín y menos una orquesta.

Pero estamos seguros que estas personas, de estratos más humildes, oían música, la interpretaban, la bailaban y la integraban en sus vidas como parte importante o hasta necesaria.

¿Cómo podemos saber que tipo de música, instrumentos o danzas existían?

Acudir al archivo de la pintura del Siglo XIX es una fuente muy enriquecedora y bastante interesante.

En la exposición IDILIO, hemos hecho una selección de 60 obras entre las que constan 20 pinturas, 4 esculturas de hueso, 3 pianos de coleccionista, 5 instrumentos antiguos, 1 antifonario y 28 esculturas de bronce y marfil.

Se trata pues de una exposición tematizada, una base documental única y excepcional de la cual extraer conclusiones y enseñanzas.

Por ejemplo, ¿Que instrumentos podemos encontrarnos en esos cuadros?.

Pues seis guitarras, 2 laudes, 2 pianos, un órgano, 2 cordófonos, 2 tambores, 1 corneta , una tuba, 2 flautas y un Aulós, flauta doble de origen griego.

Ver con detenimiento las escenas en que aparecen esos instrumentos nos aproxima a qué tipo de música se podía escuchar en otros ámbitos de la vida.

La presencia continua de guitarras e instrumentos de cuerda nos evoca un tipo de música mas folclórica que se desarrollaría en un entorno más festivo y en zonas más rurales.

De ello hay testimonio en los cuadros de Agrasot, Valenciana tocando la guitarra o bebedores en una bodega y también en el cuadro de José Benlliure, Serenata Huertana.

En otros donde el carácter de la obra es historicista, vemos instrumentos de otra época o lugar geográfico, sirva como ejemplo “La procesión” de Reyna Manescau o Idilio de Fortuny en los que aparecen una lira y un aulós respectivamente.

En un ambiente mas selecto se mueve Eugenio Lucas Villamil mostrando un piano que tenemos en sala. Eugenio Lucas se movía por esos ambientes mas refinados de donde obtenía clientela para sus obras y de paso nos legó un testimonio musical.

Escenas circenses como el clown rodeado de perros de lana o escena de circo nos traen a la memoria un tipo de música muy especifica de un lugar muy concreto.

Por último “El músico itinerante”, “Hombre con mandolina” de Fortuny o la vuelta de la feria de Baldomero Galofre nos muestra el uso de la fiesta al aire libre con su componente indispensable de la música para que haya celebración.

Tal como un cartel moderno y actual de concierto de un musico o grupo nos informa de que tipos de músicos o estilos se están escuchando en determinados lugares el recurrir a los pintores del Siglo XIX nos deja ver con un ojo en el pasado, que tipo de músicas y celebraciones se daban.

Quizás al mirar estos cuadros tan específicos lleguemos a la conclusión que hay cosas que no han cambiado tanto. Quizás las guitarras que aparecen en los cuadros de la exposición no llevaban enchufe ni se conectaban a la electricidad para sonar con más volumen pero realmente no tenía su uso un fin similar o el mismísimo fin… celebrar y disfrutar la música.

Una enseñanza hayamos implícita en estas pinturas históricas una enseñanza que leemos al ver y relacionar con detenimientos unos cuadros con otros.

Queda patente la búsqueda del hombre del bienestar, de la alegría, del jubilo en síntesis de la felicidad y para ello hoy, ayer y siempre lo ha buscado con el vehículo de la música.

Así que cuando vea una pintura de la exposición vea también el hilo conductor común y el mensaje que estos cuadros, ancianos longevos de mas de 100 años le susurran al oído…

Sea usted feliz, esfuércese en ello …

PIANO PETROFF

A poco que usted se fije, ya se habrá dado cuenta de que alzando la mirada un cuadro excepcional contiene dentro de la composición un piano de características muy similares al que está presente en sala. Sin atrevernos a afirmar que es el mismo modelo si podemos decir que por fechas tampoco podemos descartar esa hipótesis. El pintor de esta obra, Eugenio Lucas Vilamil frecuentaba estos ambientes burgueses, y los inmortalizó en más de una ocasión. En esta pintura el piano es la figura central y autentico protagonista de la obra.

Sobre el piano en sala:
Este fabuloso Petrof Rococó de reestreno forma parte de una colección de instrumentos con el tono inconfundible y característico de los pianos europeos. El estilo Rococó en color blanco cuenta con adornos dorados labrados a mano. Ideal para lucir en los salones más exclusivos y también como instrumento dominante en orquestas clásicas. La esencia de los pianos Petrof se palpa con la presencia de este piano único que a nadie deja indiferente tras verlo, tocarlo, escucharlo e incluso respirarlo.

Vamos a recordar cómo Antonín Petrof puso los cimientos del mayor fabricante de pianos acústicos en Europa en la actualidad, y vamos a rememorar la historia de las 6 generaciones de la familia Petrof y de los maestros del piano, los cuáles continúan con la artesanía honrada y con la tradición familiar:

1839: NACIMIENTO DE ANTONÍN PETROF, FUNDADOR DE LA EMPRESA.
1857: Antonín Petrof se marcha a Viena donde aprende a construir pianos de cola en las empresas HEITZMAN, EHRBAR, SCHWEIGHOFER.
1864: Hradec Králové – construcción del primer piano de cola de conciertos.
1865: Antonín Petrof reconstruye el taller de carpintero de su padre a un taller de construcción de pianos en la ciudad vieja, detrás de la catedral del Santo Espíritu.
1866: Batalla de la guerra austro-prusiana cerca de Hradec Králové – interrupción de la fabricación.
1874: Mudanza de la empresa a un nuevo lugar fuera de la ciudad en dirección a Brno, además de la fabricación de pianos se inicia la fabricación de armonios.
1880: Apertura de una empresa filial en Temesvar, Hungría.
1881: Inicio de la fabricación propia de teclados y mecánicas.
1883: Inicio de la fabricación de pianos verticales.
1895: Inicio de la exportación de instrumentos al extranjero, un nuevo almacén y centro de mantenimiento en Viena.
1899: Antonín Petrof fue nombrado fabricante de pianos de la corte del Imperio austrohúngaro y concejal secreto del emperador. Más tarde, sus hijos heredaron ambos títulos.
1908: La empresa se convirtió en una sociedad mercantil pública. Marie Petrofová llegó a ser apoderada de la empresa. Aparte del fundador, la empresa empleó a sus hijos Jan, Antonín y desde el año 1914 también al hijo menor Vladimír (2.ª generación).
1915: Antonín Petrof y su mujer Marie murieron. En los años de la guerra la empresa fue dirigida por Vladimír, el menor de los tres hijos.
1924: Se introdujo la fabricación de pianos electroneumáticos, más tarde llamados radios acústicos. Al mismo tiempo, PETROF ya exportaba sus productos a Japón, China, Australia y América del Sur.
1928: La empresa PETROF, junto con STEINWAY, una empresa norteamericana de mucha importancia, abrió una sucursal en Wigmore Street, Londres. La gestión de la empresa amplía la administración de la empresa con la tercera generación de la familia Petrof: Dimitrij, Eduard y Eugen.
1934: GRAND PRIX – en la exposición mundial en Bruselas, los instrumentos PETROF ganan la medalla de oro. En la fábrica ya trabajan 400 empleados.
1948: Nacionalización de la fábrica. Los Petrof pierden su propiedad y sus derechos sobre la empresa.
1954: Fundación del departamento de desarrollo de pianos verticales y de cola.
1958: En la EXPO de Bruselas el modelo PETROF Mondial, un piano de cola de conciertos, gana la medalla de oro. Termina la fabricación de armonios.
1991: Entrada del Ing. Jan Petrof (4.ª generación) después de 43 años del régimen totalitario – comienzo del proceso de privatización.
1994: Inauguración de un nuevo centro moderno de investigación con su propia cámara anecoica de medición de gran volumen, una de las primeras en la República Checa.
1997: Fundación de la empresa Továrna na pianina, a. s. en Hradec Králové.
1998: Fin de la privatización de la empresa PETROF, spol. s r. o.
1999: 135.° aniversario de la fundación de la empresa PETROF.
2001: PETROF, spol. s r. o. – la fábrica pasa plenamente a manos de la familia Petrof.
2003: Fue patentada la Mecánica Magnéticamente Acelerada (MAA).
2004: 140.° aniversario de la fundación de la empresa PETROF – Sra. Mgr. Zuzana Ceralová Petrofová (5.ª generación) empieza a presidir la empresa. Se renueva la fabricación de mecánicas de pianos verticales y de cola según el diseño propio de la empresa.
2005: Mgr. Zuzana Ceralová Petrofová fue nombrada presidenta de la Confederación Europea de Fabricantes de Instrumentos Musicales – CAFIM.
2007: Los instrumentos de la marca PETROF empiezan a llevar un nuevo sello de EUROPEAN EXCELLENCE (EEX). Esta denominación garantiza ante todo el origen europeo del instrumento y su larga vida útil, mantenimiento profesional y alto valor. Construcción de pianos por encargo para los clientes más exigentes, piano de cola de conciertos tipo P 194 Storm.
2008: Inauguración de la filial PETROF USA, otros pianos de cola de conciertos tipo P 237 Monsoon, P 173 Breeze y P 159 Bora.
2009: Nueva generación de pianos de cola PETROF.
2009: Colaboración con el legendario Mark Levinson (bafles para el audio sistema high-end DANIEL HERTZ).
2012: Introducción del nuevo piano vertical de diseño moderno P 127 NEXT (nueva gama Modern Collection).
2013: El Museo PETROF fue abierto por su directora Ivana Petrof, 5.ª generación de la familia Petrof.
2014: PETROF celebra su 150. ° aniversario. Presentación de la marca high-end ANT. PETROF y su primer instrumento ANT. PETROF 275.
2015: Mgr. Zuzana Ceralová Petrofová fue galardonada con el reconocimiento de DIRECTORA DEL AÑO.
2016: El proyecto PETROF Art Family (PAF).
2017: Inauguración del nuevo centro cultural y comercial PETROF Gallery.
2018: Anna Prousková se convierte en directora de la galería PETROF (6.ª generación de la familia PETROF).

BARTOLOMEO Y EL PIANO FORTE

Hoy día cuando vemos un piano, lo primero que observamos es un mueble de dimensiones considerables.

Oírlo sonar suele ser una experiencia muy grata, especialmente si nunca hemos escuchado uno de estos instrumentos en directo.

El nombre en realidad obedece a un apócope, pues originalmente se llamaba pianoforte.

Y es esa palabra que omitimos, “forte” es dónde radica parte del misterio y de la magia de este artilugio musical.

El caso es que el Bartolomeo Cristoforis entró como cimbalista para trabajar al servicio del príncipe Fernando de Médici.

Hasta aquel momento la música interpretada por teclados era una música limitada por la propia mecánica y concepción de aquellas máquinas de emitir sonidos.

Las cuerdas, hasta aquel entonces, eran pellizcadas o rasgadas por lo cual el volumen la intensidad y la duración de las notas eran limitado, pero llegó Cristoforis y tuvo entre otras la genial idea de que unos martillos golpearan directamente sobre las cuerdas. Aquel cambio, revolucionó el sonido y la composición de nuevas músicas.

El piano forte, piano desde finales del XVIII, tuvo su apogeo de fabricación desde entonces y no ha parado.

Pianos como los de la exposición son los protagonistas por diferentes salas de concierto de todo el mundo, atreviéndose incluso a echarle un pulso ellos solitos a toda una Orquesta Sinfónica. Disfrute de tres de los pianos más emblemáticos que podemos encontrar hoy día.

STEINWAY O

Restaurado en Diciembre de 2022

El piano de cola Steinway O se diferencia de los pianos de cola para salón y para conciertos en que su cola es más corta.

Esto significa que no comprometemos la sonoridad y garantizamos la máxima calidad y el mejor trabajo de artesanía para ofrecerle una experiencia de expresión musical prácticamente ilimitada. Igual que el resto de instrumentos Steinway, los pianos de media cola de menor tamaño, el M-170 y el S-155, también se rigen por la filosofía del fundador de la empresa: «construir el mejor piano posible».

¿Sabía que para construir un piano vertical Steinway se tarda algo más de medio año hasta que este sale de nuestra fábrica en Hamburgo o Nueva York? Nuestros expertos y veteranos especialistas mejoran continuamente los pianos de cola y verticales Steinway, por lo que le garantizamos instrumentos de excelente calidad.

Cada piano Steinway se fabrica con maderas cuidadosamente seleccionadas, 80 % de artesanía pura, trabajo de precisión con una tolerancia de 0,1 milímetros y sobre todo, amor por la música.

PASADO, PRESENTE Y FUTURO DE UN SUEÑO

El empresario Oriolano Antonio Pedrera Soler fue conocido como “el empresario que tejió un imperio de la nada”. Sus logros sin duda alguna fueron muchos, y su legado de valores quedan en la memoria de aquellos que lo conocieron y lo trataron.

A pesar de que Antonio nos dejó, pronto hará diez años, permanece muy presente en el recuerdo de muchos, entre otras razones por un hecho poderoso.

Durante estos últimos 4 años, la Colección que confeccionó de arte, ha tenido presencia en muchos museos de bellas artes de la geografía española y decenas de cuadros también han viajado al extranjero.

Su sueño de tener un Museo en su ciudad natal, cobró fuerza en el pasado cuando adquirió el Palacio Sorzano de tejada, un bello edificio histórico cuyo propósito sería ser sede de la Fundación Pedrera y albergar exposiciones por medio de la gestión de la que llegó a llamarse Colección Pedrera Martínez.

Y en este pasado inmediato se realizaron algunas exposiciones significativas como la ultima que se celebró para el aniversario de la muerte del pintor Joaquín Agrasot.

En el presente la difusión y participación de la Colección Pedrera Martínez ha sido muy notable.

Mas de 227 obras han participado en colaboración con instituciones, museos y salas expositivas en más de 20 museos.

Esa inercia de actividad, ha conducido a plantearse dar un salto de gigante con la preparación de una exposición sin parangón, con motivo de la reapertura del Palacio Sorzano de Tejada.

Con mas del 80% de obra propia se ha diseñado una exposición ambiciosa con una presentación museística diferente a todo cuanto se vio hasta ahora.

EL futuro para este museo y colección se presenta muy prometedor y llaman a sus puertas museos privados y estatales de diferentes países de Europa.

El pistoletazo de salida será este miércoles 24 de Mayo con la inauguración de la exposición Idilio, «el despertar de los sentidos».

LAS CRISOELEFANTINAS – ORIGEN

Fidias fue un pintor y arquitecto griego, pero también el escultor más importante y admirado de su época.

De hecho, fue el autor de la estatua de Zeus. Zeus en el templo de Olimpia, escultura colosal que llegó a ostentar el estatus de una de las 7 maravillas del mundo antiguo.

El estadisto ateniense Pericles le encomendó un trabajo sin parangón a Fidias, nada menos que la dirección del gran proyecto de la reconstrucción de la acrópolis de Atenas.

Fidias se puso manos a la obra. Como fruto de su trabajo, el Partenón albergó una gran crisoelefantina. Atenea o palas atenea, una estatua de madera revestida de fragmentos de oro y Marfil. Era por definición por lo tanto, una crisoelefantina.

Si bien estos ejemplos ponen de manifiesto que en la Grecia clásica existían las criselefantinas, explorando un poco mas allá en busca del origen llegaríamos a ejemplos del segundo milenio a. d. Cristo. En aquel periodo se encontraban esculturas compuestas hechas de marfil y oro procedentes de regiones que más tarde pasarían a formar parte del mundo griego, siendo el más famoso el llamado Kuros de Palekastro (que no debe confundirse con las estatuas arcaicas conocidas por este término) de la Palekastro minoica, circa 1500 a. C.

Pero, es en tiempos más recientes concretamente tras la Primera Guerra Mundial, cuando la burguesía adquirió ávidamente estas pequeñas esculturas crisoelefantinas con el fin de decorar sus hogares estas piezas acordes al estilo art decó.

Se fabricaron en serie convirtiéndose en objetos preciosistas.

De estas últimas esculturas podemos disfrutar en la exposición idilio viendo 27 ejemplares pertenecientes a la Colección Pedrera Martínez.

MARIANO FORTUNY Y MARSAL

Existen palabras que parecen ponerse de moda, vocablos que han estado siempre ahí, pero por lo que sea, son desempolvados y ahora todo el mundo los usa, o los incorpora en su lenguaje.

Los lectores de cierta edad recordarán, como había un término desconocido y prácticamente inutilizado que un destacado líder político rescató y puso en boca de todos… ¿le suena la palabra demagogia?

Hoy en la actualidad hay una palabra, que últimamente se escucha con cierta asiduidad y gana día a día terreno cobrando más y más protagonismo. Ese término o vocablo es resilencia.

Resilencia ha sido definida como la capacidad que tenemos las personas de sobreponernos ante la adversidad.

El Historiador francés Ernest Renan dijo: “los golpes de la adversidad son muy amargos, pero nunca son estériles”.

Como muchos otros casos, un niño se queda huérfano, un jovencito sufre una adversidad pero se hace fuerte, crece y medra, destacando de todo su entorno. Algunos de los más insignes y consagrados maestros de la historia tienen ese lazo común. Un acontecimiento luctuoso en el principio de sus vidas, es el motor que les impulsa toda la vida como una fuerza de motivación extra, adicional que es justo el elemento diferenciador entre ellos y el resto de los mortales.

Mariano Fortuny Marsal, nace un 11 de junio de 1858. Su familia es una familia modesta. Pronto, siendo un niño Mariano queda huérfano. Esta tragedia, este acontecimiento devastador provoca que el jovencito Mariano pase a estar bajo la tutela de su abuelo. Hasta aquí ese detalle es simplemente una consecuencia lógica. Pero lo interesante es que el abuelo, escultor y artesano, se implica de una manera absoluta con su nieto.

Ya durante la enseñanza primaria, se hizo evidente su facilidad innata para el dibujo, del jovencito retratando a sus compañeros de clase y recibiendo con frecuencia las reprimendas de su maestro cuando éste le sorprendía dibujando en lugar de escribir. En 1847 recién cumplidos los 9 años abandonó la escuela y se matriculó en una Academia de dibujo que acababa de ser inaugurada en Reus.

A los 12 años Mariano se ganaba algún dinero extra pintando ex votos la mayoría de los cuales representaban a nuestra señora de la misericordia de Reus.

La figura del abuelo de Mariano fue determinante. Viendo que su Nieto necesitaba horizontes más amplios, decide trasladarse con él a Barcelona y ambos realizan el trayecto a pie.

Gracias a la mediación del escultor Domenech dan una pequeña ayuda procedente de un fondo testamentario destinado a obras de beneficencia y administrado por los sacerdotes y así permiten a Mariano asistir a la academia de bellas artes de San Jorge.

Con una exigua pensión que apenas le permite vivir Mariano entra en un taller a trabajar como aprendiz y además empieza a dar clases de dibujo a los hijos de varias familias.

EN 1856 la diputación de Barcelona instituyó una pensión de 8.000 reales anuales gracias a lo cual Mariano alcanza un sueño, formarse en Roma. No todo fue coser y cantar, pues una pensión obligaba por encargo a cumplir con ciertos trabajos.

En su nuevo lugar de estudios coincide nada menos que con Eduardo Rosales, Alvarez Catalá, Vicente Palmaroli, Casado de Alisal, Antonio Gisbert…grupo al que mas tarde se incorporó el Oriolano Agrasot.

A partir de 1860 La diputación de Barcelona encarga a Fortuny viajar a Marruecos, con el fin de convertirse en cronista gráfico. África supone todo un descubrimiento para Fortuny.

Después de este acontecimiento, trabajo y mas trabajo. Suma encargos, reconocimientos, premios y galardones …además encargos de Adolf Goupil, el más influyente marchante europeo.

Nos dejó demasiado pronto, con solo 36 años, pero en el camino deja como legado una magistral obra y una producción exquisita e inigualable. Obras como la batalla de Tetúan, La vicaría que cuelga de las paredes del museo nacional de Arte de Cataluña o también obras tan destacables como el viejo desnudo al sol en el museo del prado. También en estos días se puede disfrutar de “hombre con mandolina” acuarela de una ejecución insuperable y un grabado excepcional “Idilio”,que da titulo a la exposición que se celebra en Orihuela, donde en el seno del Palacio Sorzano e Tejada se pueden disfrutar dichas obras.

dríamos que viajar a Salamanca, porque la otra opción nos queda algo más retirada. De hecho sería Houston. Tendríamos que viajar, porque estos son dos de los pocos museos que exponen de manera permanente una colección de criselefantinas.

Museo Casa Lis en Salamanca tiene hasta 122 de estas esculturas colocadas para deleite de las personas que les visitan.

Un número similar de estas figuras permanece bajo el cuidado y atención de la Colección Pedrera Martínez.

Destaca especialmente no solo la cantidad sino también la calidad y diversidad.

En esta colección se hallan representados los maestros más destacados del movimiento Art Deco.

Ejemplo de ello son las crisoelefantina francesas esas figuras qué son auténticas obras de arte presentando un gusto por el detalle casi obsesivo.

Sus acabados llenos de texturas y relieves exigen un acabado manual ligado a la artesanía trabajando con técnicas propias de joyería.

Don Antonio Pedrera Soler, llevaba años visitando salas de subastas con el propósito de adquirir nuevas pinturas para su colección particular.

Allá por los años 80, aparecen en catálogos algunas crisoelefantinas y a partir de esa fecha se empiezan a incorporar esculturas a la colección.

Con el paso del tiempo se consigue tener un conjunto importante y amplio con representación de los más destacados escultores de prestigio internacional como son: Demetre Chiparus, Claire Jeanne Colinet, A.Godard, Alexandre Morlon, Mennenville, Paul Philippe, Pierre Ernest Bouret y un largo etc.

La exposición Idilio presenta la primera oportunidad de ver parte de este importante legado cultural.

LAS CRISOELEFANTINAS EN LA COLECCIÓN PEDRERA MARTÍNEZ

Tendríamos que viajar a Salamanca, porque la otra opción nos queda algo más retirada. De hecho sería Houston. Tendríamos que viajar, porque estos son dos de los pocos museos que exponen de manera permanente una colección de criselefantinas.